Florença e o quattrocento

Por Marcelo Albuquerque

A primeira fase renascentista está focada na cidade de Florença, que oferece a possibilidade de estudos superiores em círculos acadêmicos não associados à Igreja ou instituições tradicionais, mas financiadas pelos ricos banqueiros, como a família Médici. As artes plásticas e a arquitetura formulam regras de perspectiva linear, reorganizando a representação espacial. A redescoberta de modelos antigos, tanto em arquitetura, pintura e escultura, se baseiam nos princípios de harmonia, proporção e simetria, refletindo a dimensão harmônica do homem na sua relação com a natureza e com a criação divina, bem representada no Homem Vitruviano, de Leonardo da Vinci, um reestudo das proporções conhecidas e aplicadas desde a Grécia Clássica e transmitida por Vitrúvio. A pintura do Renascimento modela-se com a influência da arte de Flandres no início do século XV, dos pintores flamengos, que introduzem um renovado naturalismo na arte e a técnica da pintura a óleo sobre tela, além da introdução dos retratos nos ambientes privados, de forma a enaltecer a figura cívica dos retratados, como veremos mais adiante.

A ascensão de Florença como potência comercial, intelectual e artística remonta ao período da Baixa Idade Média, a partir do século X, quando a cidade se tornou município autônomo em 1115, marcada por lutas que se estenderam durante o século XIII, como a disputa entre os gibelinos, partidários do Sacro Império Romano, e os guelfos, a favor do papado romano. Essa política interna não impede que a cidade floresça e se torne uma das maiores repúblicas medievais da Toscana. Após a Peste Negra de 1348, Florença se torna o grande centro de poder da Toscana, superando sua arquirrival Siena, que não conseguirá se reerguer como Florença após a Peste.

A partir da década de 1430, a família Médici inicia uma política de mecenato para formar e patrocinar os melhores artistas, arquitetos, escritores, humanistas e filósofos do período, ao longo de décadas, como Filippo Brunelleschi, Michelozzo, Verrocchio, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti. Maquiavel, personagem importante do século XV, tem sua obra literária, “O Príncipe”, muitas vezes vista como uma legitimação da tortuosidade e também do abuso político. As atividades das academias, patrocinadas pela elite florentina, fora do círculo do ensino tradicional católico, se dividiam em diversas áreas do conhecimento, das quais se destacam as correntes científicas (física, química e história natural) e as relacionadas à filologia e linguagem. Em 1527 os florentinos expulsam os Médici, reestabelecendo uma república, mas em 1532, os Médici retornam como duques de Florença, conquistando a República de Siena em 1555. Em 1569 é criado o Grão-Ducado da Toscana.

Piazza della Signoria: o magnífico Palazzo Vecchio. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

Piazza della Signoria: Loggia dei Lanzi. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

O centro político de Florença é a Piazza della Signoria, com o magnífico Palazzo Vecchio, edifício gótico construído sobre um teatro romano, como se vê na figura acima. Em frente, a Loggia dei Lanzi assume um papel de galeria de obras-primas da escultura. Ao seu lado, a Galeria Uffizi é um dos maiores museus de arte do mundo, reunindo uma das mais importantes coleções de arte ocidental. Foi concebida para abrigar os escritórios da burocracia do Médici no século XVI, os escritórios de ofícios (Ufizzi).

Galeria Uffizi, Florença. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

A catedral gótica de Santa Maria del Fiore protagoniza o grande divisor de águas que marcará o início da era renascentista, com sua majestosa cúpula de Fillipo Brunelleschi (1377-1446). Brunelleschi foi arquiteto, engenheiro, escultor e ourives, e é considerado, ao lado de Masaccio e Donatello, um dos fundadores do Renascimento. A ele credita-se a invenção da perspectiva de um único ponto de fuga, ou perspectiva linear. Depois de sua aprendizagem como um ourives e uma breve carreira como escultor, dedicou-se à arquitetura, após perder o concurso das portas do Batistério para seu rival Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi faz um longo estudo arquitetônico das ruínas de Roma, e retorna à Florença para um novo concurso, para a construção da cúpula de Santa Maria del Fiore, enfrentando novamente seu rival Ghiberti.

Santa Maria del Fiore, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Seção e cúpula de Filippo Brunelleschi. Fonte: Wikipédia. Disponível em: <https://en.wikipedia.org/wiki/Filippo_Brunelleschi>. Acesso em: 11 out. 2016.

Com Brunelleschi nasce a figura do arquiteto moderno, reconcebendo os processos técnicos e conceituais da arquitetura, diferentemente das tradições dos mestres construtores medievais, fortalecendo o papel do projeto arquitetônico e do planejamento da construção. Com Brunelleschi, a arquitetura deixa de se firmar como uma arte mecânica, elevando-se a uma categoria intelectual de arte liberal, fundada na matemática, na geometria e na erudição histórica. Brunelleschi privilegia, na arquitetura, uma pureza na linguagem romana de proporções monumentais, valorizando os arcos e colunas, como visto nas basílicas romanas, ritmos modulares correspondentes à números inteiros, seguindo proporções precisas para todo o edifício. Os elementos decorativos se afastam completamente das tradições do Trecento, retomando a linguagem latina em oposição ao bizantino e ao gótico.

Escultura de Brunelleschi olhando para a sua cúpula da catedral, e Arnolfo di Cambio, em frente a Santa Maria del Fiore. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

Brunelleschi começou a estudar o problema da cúpula de Santa Maria del Fiore, desde o início do século XV. O tambor octogonal foi erguido entre 1410 e 1413, porém uma cúpula tão grande nunca tinha sido realizada com as tradicionais técnicas, com uso de andaimes e cimbramento de madeira, parecendo inviável sua conclusão. Em 1418, foi editado o famoso concurso público para resolver o problema do domo, de forma a detalhar as soluções para as costelas, o cimbramento, as coberturas, os materiais e as ferramentas necessárias. Segundo Argan, em “História da arte como história da cidade”, além dos problemas técnicos de engenharia, a cúpula também deveria se impor, harmonicamente, sobre o espaço urbano, de forma a simbolizar o poder de Florença. Filippo Brunelleschi e seu rival Lorenzo Ghiberti foram nomeados para o empreendimento.

A obra da cúpula começou em 1420. O domo é constituído de duas cúpulas, com passarelas e escadas na lacuna entre elas. A obra foi auto sustentada por andaimes aéreos e cimbramento que não se apoiavam diretamente no piso da basílica, proposta que gerava muita desconfiança dos trabalhadores. Mais adiante, Ghiberti deixará de ser protagonista da construção, ao lado de Brunelleschi, por não conseguir resolver problemas estruturais. Brunelleschi assume a chefia de toda a obra, concluindo-a e levando uma parte considerável dos créditos da construção. A cúpula foi edificada em pedra, até os primeiros sete metros e, em seguida, de tijolo, feitas com a técnica “espinha de peixe”, que funciona como uma espécie de anel em espiral autossustentada. A cúpula exterior é constituída de tijolos vermelhos intercalados com oito costelas brancas. A cúpula interior, menor e robusta, suporta o peso da parte exterior. A lanterna, já concebida com elementos clássicos em detrimento do gótico, torna-se um mirante, sendo possível visita-la como um dos principais pontos turísticos de Florença.

Cúpula de Santa Maria del Fiore, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Técnica de construção em alvenaria de Brunelleschi baseada no opus spicatum, no interior da cúpula de Santa Maria del Fiore, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Lanterna renascentista de Santa Maria del Fiore, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Interior da cúpula de Santa Maria del Fiore, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Outro ponto admirável foi o sistema de guindaste desenvolvido por Brunelleschi para erguer os materiais de construção. Um par de cavalos amarrados a um eixo vertical fazia o sistema girar. O arquiteto aplicou um sistema de guinchos e roldanas com engrenagens derivadas dos utilizados no fabrico de relógios capazes de aumentar a sua força, permitindo que se alternasse a subida e descida de materiais sem alterar a direção dos cavalos. Leonardo da Vinci estudou esses sistemas e aplicou em algumas de suas famosas criações.

O Asilo dos Inocentes, iniciado em 1419, é considerado o primeiro edifício construído de acordo com cânones clássicos. Serviu como orfanato e complexo hospitalar. As longas varandas agem como elementos intermediários entre o hospital e a praça, compostas por abóbadas de nervuras, arcos e colunas de capitéis coríntios. As cores austeras, de gesso branco e pedra cinza, tornaram-se um traço harmonioso e limpo, característico do Renascimento florentino. Os medalhões de cerâmica, sobre cada coluna das varandas, foram acrescentados por Andrea della Robbia, sobrinho de Luca della Robbia, em 1490, representando as inocentes crianças pequenas.

Asilo dos Inocentes, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Em 1429 foi confiado a Brunelleschi a reconstrução do claustro franciscano de Santa Croce que, mais tarde, tornou-se a capela de Pazzi, financiado por Andrea de Pazzi. O edifício foi concluído após 1470, por Giuliano da Maiano. Sua medida da largura, altura e diâmetro da abóbada remetem a um cubo imaginário encimado pela cúpula. Foram adicionados dois braços laterais, cobertos por uma abóbada de berço, além de um altar na abside. Assim como o Asilo dos Inocentes, a ornamentação é nobre e austera, com gesso branco e pedras cinzas, com medalhões de cerâmica de Luca della Robbia. Seu pórtico da fachada frontal remete a um arco triunfal, sustentado por colunas e um grande arco de volta perfeita.

Capela da família Pazzi, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Medalhões de cerâmica de Luca della Robbia. Capela da família Pazzi, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Brunelleschi: Capela da família Pazzi, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Brunelleschi: nave central e lateral de San Lorenzo, Florença, 1441-1481. Podemos observar a composição derivada do Asilos dos Inocentes nas arcadas das naves. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

Leon Battista Alberti, célebre artista, arquiteto, historiador e filósofo do Renascimento, é autor dos tratados De Re Aedificatoria (1443-52), De Pictura (1540) e De Statua (1568), que apresentam os princípios estéticos do pensamento renascentista, baseados no estudo da Antiguidade Clássica e na objetividade da observação da natureza. Isso não significa uma imitação direta da natureza objetiva, mas o modelo ideal de beleza de caráter neoplatônico, como a harmonia de todas as partes em relação ao todo, proporção e escala humana. Alberti estudou ruínas e objetos artísticos da Antiguidade, revalorizando o Tratado de Arquitetura do romano Vitrúvio. Entre as discussões de Alberti estava o efeito social da arquitetura, sobre a cidade planejada e a paisagem.

De Alberti, para este capítulo, destaco a basílica de Sant’Andrea em Mantova. Seu desenho é renascentista por excelência, sendo concluída anos após a morte de Alberti. Sua fachada remete aos arcos triunfais romanos, com um arco único, baseado em arcos triunfais antigos como o Arco de Tito ou o Arco de Trajano. Sob o arco forma-se uma espécie de pórtico com abóbada de berço e caixotões, marcando o ponto entre o interior e exterior. O arco é ladeado por pilastras coríntias, com paredes divididas entre janelas e nichos. A fachada está inscrita em um quadrado. Sobre o frontão vemos um arco que se afasta da fachada, apontando a altura da nave, enfatizando a monumentalidade e iluminação da nave, impedindo que a luz incida diretamente no interior da igreja. O interior forma uma cruz latina, com uma única nave de abóbada de berço e caixotões, com capelas laterais com base retangular e emolduradas por arcos de volta perfeita, acompanhando a fachada. O cruzeiro possui uma cúpula. O altar possui abside profunda que encerra o espaço da nave. A cripta contém relicários com terra que, segundo a tradição, são encharcadas com o sangue de Cristo colhido pelo soldado romano Longinus.

Sant’Andrea em Mantova. Fonte: Wikipédia. Disponível em: <https://it.wikipedia.org/wiki/Basilica_di_Sant%27Andrea_(Mantova)>. Acesso em: 11 out. 2016.

Alberti é um dos intelectuais responsáveis pela elevação da arquitetura, pintura e escultura para as artes liberais, consideradas artes mecânicas durante a Idade Média. Junto ao escultor Lorenzo Ghiberti, avançaram para uma teoria artística elaborada na distinção de várias facetas do processo artístico. Ghiberti produziu pesquisas no campo da ótica, no comportamento da luz em diversas circunstâncias e nas inter-relações do olho e cérebro na percepção. Alberti é o pioneiro na literatura artística a constituir a pintura como objeto de teoria e doutrina sistematizadas, montando seu discurso baseado nas artes liberais com geometria e retórica. Ele dividiu a pintura em três partes: circunscrição (desenho das formas), composição e “recepção das luzes” (receptio luminum), que inclui a cor. As cores, para Alberti, variam em razão da luz. As cores primárias seriam quatro, associadas aos quatro elementos: vermelho (fogo), azul (ar), verde (água) e cinza (terra), e todas as outras cores seriam misturas dessas. Ele preocupou-se em descrever os elementos cognoscíveis da perspectiva linear e aérea e exigia que o pintor fosse culto nas artes liberais, estudasse os poetas, os gestos, as expressões e os movimentos do corpo humano.

Leon Batista Alberti: Palazzo Rucellai. Fonte: Wikipédia. Disponível em: <https://it.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti>. Acesso em: 12 abr. 2017.

O Palazzo Rucellai (1446-1451) possui desenho da fachada com formas clássicas, aplicando o rusticismo na alvenaria, coroado com uma imponente cornija. O embasamento baseia-se no opus reticulatum romano. É composto de três níveis, divididos por cornijas e por pilastras que sobrepõe as diferentes ordens clássicas; assim como o Teatro de Marcelo e o Coliseu, comentados anteriormente (o primeiro piso é dórico, o segundo jônico e o terceiro coríntio). A medida em que a parede se eleva, a cantaria vai se tornando mais polida e bem-acabada, se afastando do rusticismo do primeiro nível. As alturas das pilastras diminuem gradualmente de tamanho em direção aos andares superiores, criando uma sensação de monumentalidade.

Assim como o Palazzo Rucellai, o Palazzo Medici-Ricardi (1444-64), de Michelozzo, possui três níveis sobrepostos com tratamentos diferentes, sendo o primeiro nível rusticado com janelas inseridas em arcos. O projeto original foi encomendado a Brunelleschi, porém os contratantes repassaram à Michelozzo a edificação, alterando o desenho do edifício. O pátio interno possui colunas coríntias, como um peristilo romano. O edifício estabelece um padrão cívico no uso dos elementos clássicos com fachadas imponentes, como o Palazzo Medici-Ricardi de Michelozzo.

Palazzo Medici Riccardi, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Michelozzo. Pátio do Palazzo Medici-Ricardi. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Janelas ajoelhadas (finestre inginocchiate), atribuídas a Michelangelo (1517). Palazzo Medici Riccardi, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Outro palácio que merece destaque é o Palazzo Strozzi, também em Florença. De forma cúbica, foi concebido em torno de um pátio central, com três andares. Sua fachada remete aos palácios anteriores, tendo o piso térreo janelas retangulares, enquanto os andares superiores possuem janelas arqueadas, sobre bordas serrilhadas.

Palazzo Strozzi. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Pátio interno do Palazzo Strozzi. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Santa Maria Novella possui o desenho renascentista da fachada da nave principal, por Alberti, edificada entre 1448 a 1470, reformando a antiga fachada medieval, conservando o nível mais baixo com os antigos seis nichos góticos. Foram empregados os mármores policromados e o desenho tradicional toscano das igrejas florentinas, como San Miniato al Monte e o Batistério de Florença. A janela ocular também foi preservada.

Santa Maria Novell, Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Santa Maria Novella. Nave central e naves laterais. Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Fachada de Santa Croce. Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Entre as pontes que cruzam o rio Arno, destaca-se a Ponte Vecchio, única no mundo, com suas características lojas de joalharia construídas sobre a ponte. A parte superior das lojas é atravessada pelo Corredor Vasari, uma passagem que liga o Palazzo Vecchio ao Palácio Piti, do outro lado do rio, como forma de garantir privacidade e segurança aos governantes de Florença.

Ponte Vecchio vista de dentro da Galeria dos Uffizi. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Um dos adventos mais importante para a pintura do Renascimento foi o desenvolvimento da tinta a óleo a partir da linhaça, técnica criada nos Países Baixos e utilizada pelos irmãos Van Eyck. O fácil transporte da pintura, que agora podia ser enrolada em seu suporte de tecido, permitiu o intercâmbio entre escolas de pinturas italianas e flamengas, ampliando o conhecimento dos artistas em diversos pontos da Europa simultaneamente. A tinta a óleo produz mais brilho que as têmperas, acentuando sensivelmente a cor, permitindo maior grau de detalhamento, que unido ao pensamento filosófico da época, possibilitou a conquista do naturalismo por parte dos pintores. Isto amplificou a arte do retrato cívico, uma das mais importantes contribuições da pintura renascentista.

Mona Lisa, 1503-07. Óleo sobre tela. Museu do Louvre, Paris. À direita, Dama com Arminho, de 1485. Museu Czartoryski, Cracóvia. Fonte: Wikipédia”. Disponível em: < https://pt.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci>. Acesso em: 11 out. 2016.

Leonardo da Vinci é um paradigma da arte renascentista, e sua trajetória na oficina de Verrocchio como aprendiz nos esclarece muito sobre a formação de um artista nesse período. A oficina projetava, realizava e ensinava atividades diversas, como pinturas e esculturas em variadas técnicas, as chamadas “artes menores” e decorativas, trabalhos de carpintaria, mecânica e arquitetura, onde o aluno e aprendiz podia ser formado em várias técnicas. A geração de Leonardo que estudou na mesma oficina incluiu grandes mestres como Sandro Botticelli, Perugino e Ghirlandaio. Leonardo, mesmo depois de ter reconhecida sua independência como artista, colaborou com Verrocchio ainda por alguns anos. Conta-se que, segundo a tradição, Verrocchio, ao ver o anjo da esquerda pintado majestosamente por Leonardo, na obra O Batismo de Cristo, de 1472 a 1475, pintada a duas mãos, decidiu abandonar a pintura, ao ver que seu talentoso discípulo o havia superado.

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Visitantes na Galeria Uffizi em frente ao O Batismo de Cristo, 1472-1475, de Verrocchio e Leonardo da Vinci. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

A Anunciação, de 1472-1475, de Leonardo da Vinci, protegida com blindagem de vidro. Galeria Uffizi, Florença. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

Para Leonardo da Vinci, assim como Alberti, a pintura deve se afastar das artes mecânicas para aproximá-la das artes liberais, na qual o desenho é o meio intelectual predominante, da mesma forma que o seu ensino. A escultura, do seu ponto de vista, permaneceria uma arte mecânica, por fazer transpirar e exaurir fisicamente, situação modificada posteriormente pelo gênio de Michelangelo, adversário declarado das opiniões de Leonardo. Sendo assim, os artistas do Renascimento gozaram do prestígio intelectual.

A Última Ceia, de Leonardo da Vinci. 1495-98. Santa Maria delle Grazie, Milão. Fonte: A Última Ceia. In: Site “Wikipédia”. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci>. Acesso em: 11 out. 2016.

No “Tratado de Pintura”, Leonardo da Vinci faz investigações sobre a importância dos estudos da natureza, da perspectiva aérea, a preocupação com a modelagem tonal (sfumato), o estudo das sombras no planejamento e o desejo de experimentar novas técnicas de pintura. Essas novas técnicas incluíam tentativas de pintura de afresco à óleo, fixando a tinta através de calor, mas que se mostrou desastrosa, como ocorreu no célebre afresco da Última Ceia. Suas observações dos efeitos da cor prenunciam fundamentos do Impressionismo. Sua posição é aristotélica e sua crença está na observação e representação da realidade sensível e visível como forma de obtenção do conhecimento.

O Nascimento de Vênus, de Sandro Botticelli. Fonte: Wikipédia. Disponível em: <https://en.wikipedia.org/wiki/Uffizi>. Acesso em: 11 out. 2016.

Visitantes na Galeria Uffizi em frente ao Nascimeto de Vênus, de Botticelli. Fotos: Marcelo Albuquerque, 2015.

Michelangelo inicia seus estudos em 1487, aos doze anos, na oficina de Domenico Ghirlandaio, momento no qual conhece os mestres italianos e alemães do desenho e da pintura, especialmente do trecento em diante. Mais adiante, começou a frequentar e estudar no jardim de San Marco, a Academia de Lorenzo, o Magnífico, em Florença, onde teve contato com grandes coleções de esculturas antigas dos Médici, junto a outros jovens talentosos, além do contato com as artes liberais e as artes mecânicas tradicionais e estudos contemporâneos do Renascimento. Ludovico passa a ser o protetor e mecenas do jovem gênio. Assim foi capaz de conhecer importantes personalidades de seu tempo e principais clientes, dentro e fora da Igreja.

Após a morte de seu patrono e seu colapso político, Michelangelo juntou-se aos novos valores pregados por Savonarola, convicto na reforma da Igreja, cujos valores estavam ameaçados devido à política contemporânea, à arte paganizante de seu tempo e aos costumes em geral. Ao ser condenado na fogueira, o movimento de Savonarola se dissipa e Michelangelo em breve iniciará suas viagens para fora de Florença, concebendo diversas obras primas, estabelecendo-se prioritariamente em Roma, a partir de 1496. No Vaticano, Michelangelo estuda as coleções de esculturas antigas e acompanha escavações, restaurando algumas obras. O período helenístico grego influenciará decisivamente a obra do gênio. Desse período vem a encomenda da Pietà em mármore de Carrara para a igreja de Santa Petronilla, que hoje está na basílica de São Pedro no Vaticano. O grupo escultórico inova em relação à escultura italiana tradicional de Pietà, adotando a composição piramidal. O acabamento é primoroso, desde os pequenos detalhes que produzem o efeito de mármore translúcido e maleável. Ela é considerada como sua primeira grande obra-prima e marca o início de sua autoconsciência como gênio.

Pietà, de Michelangelo. Mármore. Basílica e São Pedro, Vaticano. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Michelangelo volta para Florença em 1501 e realiza diversas obras na Toscana, como estátuas sacras para Siena e Florença, aproveitando o prestígio que já gozava devido aos seus anos em Roma. No mesmo ano, começa a trabalhar no “Gigante”, e em três anos completa o Davi, encomendado para a área externa da abside do Duomo de Florença. O artista retrata o herói de forma incomum, em relação à iconografia e à tradição: nu, com aparência calma e serena, a ponto de reagir contra Golias. O Davi é associado ao poder da republica de Florença diante de seus adversários. Torna-se imediatamente uma obra-prima e símbolo da cidade, sendo deslocada para a Piazza della Signoria. Uma cópia foi realizada, ficando ao livre, enquanto o original está preservado na Galeria da Academia de Florença.

Davi de Michelangelo, Galeria da Academia de Florença. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

A partir do século XVI, Roma ressurge na sua grandeza como a capital dos papas, e se tornará o centro erudito das artes, particularmente nos trabalhos de Michelangelo e Rafael no Vaticano. Rafael Sanzio (1483-1520) inicia suas atividades com a presença de Perugino e sua oficina. Rafael demonstrou interesse nos afrescos e esculturas de Michelangelo, e a história apresenta grandes disputas entre Bramante e Rafael contra Michelangelo. Rafael inclui um retrato de Michelangelo e de Leonardo da Vinci no afresco A Escola de Atenas e em outros trabalhos posteriores. Rafael, profundo admirador de Michelangelo e Leonardo, tornou-se a figura que compôs a tríade de gênios pintores da Renascença.

Rafael. A Escola de Atenas, 1509. Vaticano. Fonte: Wikipédia. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/wiki/Rafael>. Acesso em: 11 out. 2016.

Ressurreição de Cristo, c. 1499/1502. Museu de Arte de São Paulo. Foto: Marcelo Albuquerque, 2016.

[1] ARGAN, 1998, p. 74.

Renascimento: panorama

Por Marcelo Albuquerque

A arte e a arquitetura renascentista foram desenvolvidas ao longo dos séculos XV e XVI, apresentando um rompimento com as tradições medievais, porém não totalmente separados dos costumes e valores medievos, mas com um consciente rompimento com a estética gótica. São inseridas novas relações entre a arte e arquitetura, promovendo a imagem dos personagens como profissionais liberais, portadores de uma erudição à altura dos grandes gênios da história. Esses personagens são orientados na compreensão e valorização das linguagens da Antiguidade Clássica sem, no entanto, fazer apenas cópias dos modelos antigos. O século XV eleva as figuras de Filippo Brunelleschi, Masaccio, Donatello e Alberti, que definem os princípios de uma arte e arquitetura classicistas, através de tratados, com maior naturalismo na pintura, idealismo e desenvolvimento da perspectiva, aliados às grandes descobertas empreendidas pelo globo terrestre.

Mapa da Europa em 1500. Fonte: https://www.ime.usp.br/~tycho/participants/psousa/cursos/materiais/mapas_historicos.html. Acesso em: 21 abr 2018.

Observaremos que, para muitos autores, a origem do Renascimento é apontada na construção do domo da Catedral de Santa Maria del Fiore por Brunelleschi, em Florença. Posteriormente, Leonardo Da Vinci se tornará, certamente, um dos personagens mais famosos e populares desse período. O início do século XVI apresenta o desenvolvimento e maturidade do Renascimento, tendo como ícones Bramante e Rafael e Michelangelo, junto aos personagens das escolas coloristas de Veneza, como Ticiano. Nesse instante, o Renascimento abre caminho para o Maneirismo. Se destacam arquitetos como Andrea Palladio, o próprio Michelangelo e Giulio Romano. Considera-se que o Maneirismo seja dotado de pensamentos anticlássicos que reformulam as normas da linguagem clássica, ao mesmo tempo em que a glorifica, conferindo uma grande autonomia criativa. O Maneirismo costuma ser visto como uma dinâmica atrelada ao Renascimento, porém reivindicando um novo modelo “à maneira” clássica. O Renascimento também se caracteriza pela propagação das ideias italianas pela Europa, considerando um Renascimento distinto em diversas regiões do subcontinente europeu, como o Renascimento espanhol, o francês, o flamengo e o britânico, entre outros.

O Renascimento desenvolve-se na Itália do final da Idade Média, a partir de Florença, no século XV, marcando o início da era moderna, estendendo-se até o século XVI. Ele é oriundo dos desenvolvimentos do século XIII e XIV, conhecidos como Duecento e Trecento. Renova-se um interesse pelos estudos clássicos da filosofia, literatura e artes, contextualizando-os na sua contemporaneidade. Não significa que a Idade Média havia abandonado estes estudos, pelo contrário, na realidade, havia-se conservado muito da tradição clássica pelos eruditos católicos, pelos mosteiros e pelas universidades em geral. As valiosas contribuições orientais, através dos árabes e dos eruditos gregos e bizantinos refugiados da recém conquistada Constantinopla, pelos turcos otomanos, inundaram a Europa Ocidental de conhecimentos e referências da Antiguidade e da produção intelectual do período medieval. Porém, durante a Idade Média, a Europa passou por alguns momentos de “renascimentos” da cultura clássica, como o empreendido no período carolíngio, no Otoniano, e pela filosofia escolástica, mas nenhuma com as características do Renascimento italiano do século XV. Sendo assim, o ano de 1453, data da conquista de Constantinopla pelos turcos otomanos, pondo fim ao Império Bizantino, marca o encerramento da Idade Média e início do Renascimento. O período é marcado pelo surgimento e consolidação de estados modernos, como as monarquias nacionais da França, Inglaterra e Espanha, sendo que esta última expulsa de vez os árabes da península Ibérica e patrocina as viagens dos descobrimentos ao lado dos portugueses. A descoberta do Novo Mundo promove uma nova ordem econômica e social, deslocando consideravelmente o eixo comercial do Mediterrâneo para o Atlântico, advindas das expansões coloniais, fomentando a economia mercantilista.

O termo “renascimento ” foi usado por Giorgio Vasari, em 1550, em seu tratado Vidas dos melhores arquitetos, pintores, escultores italianos de Cimabue até à nossa época, para indicar um ciclo que, a partir de Giotto, se estabeleceria com Masaccio, Donatello e Brunelleschi no rompimento com a estética bizantina e retorno para a romana. Para Vasari, o renascimento culmina em Leonardo e Michelangelo, capazes de superar os próprios antigos. O termo “Renaissance” se define como resultado da historiografia do século XIX, descrita por Jules Michelet e Jacob Burckhardt.

Na filosofia, o ressurgimento do neoplatonismo e do hermetismo[1] será fundamental para este florescimento das expressões artísticas renovadas no interesse na Antiguidade. A partir dessas referências, desenvolve-se um ambiente na cidade de Florença, em especial, para as ideias de humanismo, nascido da literatura do século XIV, com renovado interesse em estudos clássicos, especialmente por Boccaccio, Dante Alighieri e Francesco Petrarca. Estes autores foram responsáveis por entender uma nova mentalidade emergente, diferente do período que corresponde ao que chamamos de medieval, situado entre seu tempo e o Império Romano do Ocidente.

Panorama de Florença a partir da Piazzale Michelangelo. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

No campo religioso, além da medieval disputa entre cristãos e muçulmanos, a partir do século VII, e do cisma entre católicos e ortodoxos em 1054, a Reforma Protestante promove um novo cisma dentro da Igreja Católica e no Ocidente, abrindo caminho para as novas correntes protestantes, como a Calvinista e a Luterana. A reforma propunha uma renovação da cristandade e da própria Igreja Romana em si, marcada pelas denúncias de corrupção, extravagancias, decadência e divergências ideológicas e políticas complexas.

Tratados matemáticos gregos foram traduzidos no século XVI, influenciando os estudos de astronomia de Nicolau Copérnico e Kepler, e, posteriormente, no período barroco, os estudos de Galileo. A geografia foi transformada por novas informações científicas e pelas grandes navegações. Entretanto, nada disso seria possível sem a invenção da prensa de Gutenberg, no século XV, revolucionando o fluxo do conhecimento e a difusão de informações, aumentando o número de livros em circulação.

Sobre as fortificações das cidades renascentistas, vale o exemplo de cidades como Lucca. Os avanços no uso da pólvora revolucionaram as táticas militares entre 1450 e 1550, introduzindo a artilharia no campo de batalha, inutilizando os sistemas medievais de muralhas de castelos e cidades, que tiveram que se readequar à novidade, culminando nos desenhos das muralhas Vauban do século XVI.

Muralhas Renascentistas de Lucca. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

[1] O Hermetismo se baseia no Caibalion (tradição ou transmissão), uma compilação comentada anônima do Corpus Hermeticus e Tábua de Esmeraldas. Baseia-se nas Sete leis herméticas aplicadas ao homem e ao universo. O deus Thoth e Ibis transformados em Hermes Trismegistus, “três vezes sábio”, o que leva os conhecimentos divinos ao homem. Se relaciona com o Livro dos Mortos egípcio, compilação de vários papiros de escribas. Acredita-se que Hermes Trismegistus seja um nome genérico, relacionado à vários personagens históricos. Os Mistérios herméticos são conhecimentos passados apenas para virtuosos, nos ambientes iniciáticos da Antiguidade. Marcilio Ficcino lidera em Florença a Academia Platônica Florentina, que estuda o Hermetismo, e o Domo de Siena apresenta uma figura de Hermes Trismegistus, evidenciando uma relação medieval entre essa figura e conhecimentos eruditos do Catolicismo, porém será considerado herético posteriormente (gnose).

Tecnologias de construção romanas

Por Marcelo Albuquerque

Apreciar e conhecer a arquitetura da Roma Antiga implica na distinção das diversas técnicas de construção dos romanos, em especial as relacionadas ao concreto pozolana. As técnicas podem ser usadas independentemente umas das outras, ou mescladas em um único edifício.

Na antiga Grécia, os templos eram construídos com blocos de pedras justapostas e encaixadas entre si, sem argamassa, com extrema precisão, devidamente pré-fabricados ou adaptados direto na construção, como ocorre no Parthenon. Podiam receber grampos de metal (cavilhas), chamados de “gatos”, tecnologia que ficará na engenharia até os dias de hoje, comum nas cidades coloniais brasileiras, como Ouro Preto. Os gatos do Coliseu, por exemplo, foram retirados durante a Idade Média para serem reaproveitados para diversos fins, deixando lacunas e buracos visíveis na alvenaria (ver Coliseu). Em Roma, o uso do concreto e da alvenaria substitui em grande parte o uso de blocos de pedra.

Na Grécia, as colunas raramente são monolíticas, constituindo-se de tambores separados e encaixados com precisão. Após a montagem dos tambores, vinha o trabalho de acabamento das caneluras. Em Roma, boa parte das colunas em estilo grego eram construídas de alvenaria e concreto, sendo revestidas com estuque, de forma a imitar o mármore grego e suas caneluras, como vemos na imagem a seguir do grande peristilo da Casa do Fauno, em Pompeia.

Peristilo da Casa do Fauno, em Pompeia. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

No campo das tecnologias de construção, o concreto romano (opus caementicium, conhecido como “pozolana”, permitia construções sólidas embaixo d’água, como pontes e grandes alicerces. Seu nome deriva-se de Pozzuoli, cidade perto de Nápoles, de onde se extraiam as cinzas vulcânicas do Vesúvio. Os gregos conheciam o concreto, mas apenas aplicavam em estruturas subterrâneas, eventualmente. A adoção do concreto pozolana data do século III ao II a.C. sendo um ponto de convergência na arquitetura romana, permitindo o desenvolvimento na concepção de grandes espaços e vãos, maiores alturas, monumentalidade e variações plásticas aplicadas às ordens arquitetônicas. Vitrúvio descreve sua receita em seu tratado de arquitetura, no Livro II. Era composta basicamente com cal hidratada, compostos de silício, alumínio, oxido de ferro e cinzas vulcânicas. Podia ter pedaços de tufa e cacos de cerâmica. Comparado aos concretos modernos, como o cimento Portland, o concreto pozolana requer menos energia para a cura.

A mistura era feita na própria obra, através de formas. O uso de formas e moldes formava a estrutura interna da parede, que depois recebia o acabamento externo mais nobre, geralmente, como pode ser observado nas grandiosas cúpulas romanas (ver O Panteão). A Ponte Emília ou Ponte Partida (Ponte Rotto) é a mais antiga ponte em arco construída em pedra e concreto em Roma, do século II. Ela atravessava o rio Tibre, ligando o Fórum Boário ao bairro de Trastevere (ver Aquedutos e pontes). Dentre os diversos tipos utilizados na Roma Antiga, destacam-se:

Opus caementicium: consiste na construção de espessas paredes de concreto e fragmentos de pedras e cerâmicas, base para as demais construções em concreto dos romanos. Em geral, a estrutura era revestida para acabamentos estéticos, com aplicação de estuques, pinturas, afrescos e mosaicos.

Opus caementicium com revestimento de estuque decorado, nas abóbadas das termas de Pompeia. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Opus caementicium formando o núcleo da estrutura, revestida de opus reticulatum na parte superior e opus testaceum na inferior. Villa Adriana, Tivoli. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Opus incertum: consiste de revestimento ou núcleo de pedras de formas irregulares, sendo uma das mais antigas formas de construção. Costuma ser confundido com o opus caementicium por causa de sua aparência. De acordo com Cunha, na maioria das vezes os revestimentos são colocados de forma que a face lisa das pedras se sobressaiam, formando uma superfície plana, sem pontas quebradas aparentes. As obras mais rústicas podiam receber uma argamassa para cobrir as imperfeições.

Opus incertum do criptopórtico do Templo de Vênus e Roma, em frente ao Coliseu, Roma. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

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Teatro romano

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Por Marcelo Albuquerque

O teatro grego, como estrutura arquitetônica, continua sendo popular na atualidade, estando presente em diversos projetos atuais, de parques a edifícios públicos. O surgimento do teatro grego é atribuído aos ritos de fertilidade e aos cultos a Dionísio, quando o pátio circular da debulha passou a ser o palco das encenações. Os primeiros festivais eram de origem religiosa, onde os sacerdotes ocupavam a primeira fila da orquestra. As peças abordavam temas humanísticos dentro de uma concepção de uma nova ordem social e urbana grega, como o destino, as fatalidades, as injustiças e a justiça, as oportunidades, as desgraças e o livre arbítrio, culminando nas grandes obras de Sófocles, Ésquilo, Eurípedes, Aristófanes e Menandro. Téspis de Ática introduziu o primeiro ator em Icria no século VI a.C. No século V a.C. haviam mais de 1200 peças teatrais. O Teatro de Herodes Ático, bem próximo à Acrópole, recebeu interferências modernas e é utilizado até hoje, assim como outros, em menor escala.

Os teatros romanos se popularizaram nos tempos da república, em palcos de madeira provisórios e armados a céu aberto. Pompeu foi o primeiro a construir um teatro de pedra em 55 a.C., sendo que o teatro levou seu nome (Teatro de Pompeu). Anteriormente, os teatros tinham como característica sua efemeridade, pois podiam ser desmontados e montados em outro sítio. Pompeu constrói o primeiro e maior teatro definitivo no Campo de Marte, em Roma. O complexo abrigava jardins e templos, e parte das ruínas são vistas no Largo di Torre Argentina. Foi o local do assassinato de Júlio César, nos Idos de Março, em 44 a.C., junto aos pórticos helenísticos que ali existiam. O auditório do teatro, no avançar dos tempos medievais, serviu como fundação para edificações, que possuem uma forma curva que acompanha o antigo desenho do auditório, na atual Via Grotta Pinta.

Largo di Torre Argentina. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

Os teatros romanos também possuíam seus desenhos baseados nos teatros gregos, com forma de meio-círculo, aproveitando os declives acentuados dos terrenos. Como aponta Giordani, o teatro romano possuía acessórios mais aperfeiçoados que o teatro grego: existia uma cortina de cena, trajes suntuosos e a machina que permitia fazer descer dos céus os deuses e heróis (deus ex machina). Os gêneros populares em Roma eram:

– Mimo: peças cômicas e burlescas da vida cotidiana, as vezes de caráter imoral, com críticas sociais e políticas.

– Pantomina: imitação ao estilo do mimo, onde as fisionomias e os gestos substituíam as palavras.

Voltando à arquitetura, a diferença principal será na introdução das grandes arquibancadas de concreto, elevando-as a dezenas de metros do primeiro pavimento, possibilitando a construção em diversas inclinações de terrenos. Já os anfiteatros, como o Coliseu, possuem a forma circular ou oval, como dois teatros romanos espelhados. Os declives acentuados proporcionavam uma excelente acústica. Os teatros cobertos menores eram chamados odeons. Os elementos de um teatro romano, são, principalmente:

– Orquestra: constitui-se na área semicircular em frente ao cenário, onde o coro cujo centro era erguido um altar a Dionísio nos tempos gregos antigos.

– Pulpitum: a plataforma elevada em que os atores atuavam.

– Proscenium: onde os atores atuavam, podendo se prolongar para a orquestra.

– Cenário: composto por monumentais fachadas arquitetônicas, atrás do proscenium, muitas vezes com vários andares de altura.

– Boca de cena: parede do palco em geral adornada com nichos.

– Cavea: como arquibancadas, podiam ser concebidas de madeira e de pedra. Como se vê no Coliseu, podiam receber finos revestimentos nas áreas mais nobres galeria semicircular, onde fileiras de assentos para os espectadores. Foi dividido em ima cavea (linhas inferiores, o melhor lugar do teatro), cavea mídia (a parte do meio) e summa cavea (arquibancadas superiores).

– Aditus: entradas para as laterais do teatro, a partir da orquestra. Maximus aditus eram duas entradas monumentais que conectavam ambos os lados do teatro para a orquestra.

– Vomitoria: acesso abobadado para fluxo de pessoas. O termo vomitorium também se aplica ao fluxo eficiente de saída dos espectadores em tempo curto.

– Velarium: vela (similar às dos navios) sobre a cavea que a cobria e a descobria, de forma a proteger os espectadores das intempéries (ver Coliseu).

O Teatro de Marcelo foi iniciado por Júlio César e foi terminado por Augusto, sendo concebido em homenagem ao filho de Otávia, Marcelo. Em 20 a.C. Augusto passaria o império para o sobrinho Marcelo, mas este morreu jovem, antes de Augusto. O Teatro de Marcelo influenciou a construção e a estética do Coliseu. Sobre o Coliseu, este será visto com mais detalhes na Dinastia Flaviana. Sua estrutura e acabamento contempla tanto o concreto como o mármore travertino, devido à atenção especial dada à Augusto pelo edifício. Suas colunas externas não têm função estrutural. O primeiro nível é da ordem dórica, o segundo é jônico. O terceiro se perdeu, e provavelmente seria de ordem coríntia. O edifício se localiza em frente ao templo de Apolo Sosiano, na entrada do Gueto Judeu, tradicional bairro romano.

Teatro de Marcelo, Roma. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

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Anfiteatros

Por Marcelo Albuquerque

O antigo anfiteatro romano de Florença foi construído na década de 120 d.C., fora dos muros da cidade, na direção leste, entre a Piazza dela Signoria e a Piazza di Santa Croce. De forma elíptica, possuía um diâmetro de aproximadamente 126 metros, para aproximadamente 20.000 expectadores. Assim como no anfiteatro de Lucca, o anfiteatro de Florença foi tomado por casas medievais, aproveitando as bases estruturais de concreto e alvenaria, ocupando inclusive a arena, o que não aconteceu em Lucca, onde se preservou a arena, mas como praça (Piazza dell’Anfiteatro). Podemos ver claramente seu formato elíptico em imagens aéreas, delimitando uma espécie de quarteirão, cortado por duas (via dell’Anguillara e via Borgo dei Greci).

Piazza dell’Anfiteatro, antigo anfiteatro de Lucca. Adaptado do Google Earth, 2017.

Lucca: Piazza dell’Anfiteatro. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

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Lucca: Piazza dell’Anfiteatro. Detalhe das arcadas na forma original. Foto: Marcelo Albuquerque, 2015.

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Veja também: Coliseu

Viagem à Itália – Sugestão de roteiro – 12 dias

Por Marcelo Albuquerque

Roma

DIA 01: COLISEU – FÓRUM – PALATINO

Coliseu (comprar Romapass ao chegar em Roma). Arco de Constantino. Fórum Romano: Antiquarium Forense: museu do fórum. Junto ao Templo de Vênus e Roma. Arco de Tito. Via Sacra. Basílica de Constantino. Templo de Antonino e Faustina. Arco de Sétimo Severo. Templo de Saturno. Casa das Virgens Vestais. Templo de Vesta. Cúria. Palatino: Domus Flavia. Domus Augustana. Casa de Lívia. Stadium. Templo de Cibele. Cabanas de Rômulo. Museu do Palatino, Jardins Farnese. Fórum de Trajano: Fórum de Cesar, Augusto e Nerva. Fórum e Mercado de Trajano. Coluna de Trajano. Torre dele Milizie. Casa dos Cavaleiros de Rodes.

DIA 02: CAMPIDOGLIO – FÓRUM BOÁRIO – TRASTEVERE

Piazza Venezia. Monumento Vittorio Emanuelle II: subida ao mirante. Insula. Scalinata dell’Aracoele. Santa Maria in Aracoele: antigo templo de Juno. Museus capitolinos. Palazzo Nuovo, Palazzo dei Conservatori e Tabularium. Caminhada pelas bases do Capitolino e Palatino. Teatro de Marcelo – Templo de Apolo – Pórtico de Otavia. Nossa Senhora da Consolação – via de San Teodoro. Santa Anastasia al Palatino. Circo Massimo. Santa Maria in Cosmedin. Fórum Boário: templos de Portuno e Hercules. Boca da Verdade. Arco de Jano. São Jorge Velabro. Vista do Tibre para a Ponte Rotto e Ponte Palatino. FIM DE TARDE: Trastevere: bares e restaurantes. Santa Maria in Trastevere.

DIA 03: PIAZZA NAVONA – PANTEÃO – FONTANA DE TREVI

Il Gesu: ícone de igreja jesuíta e barroca. Largo da Torre Argentina. Sant Andrea della Vale. Piazza Navona. Fonte dos Quatro Rios – Bernini. St Agnese – Borromini. San Luigi dei Francesi – Caravaggios. Palazzo Madama – fachada – Senado italiano. Santo Ivo alla Sapienza – Torre em espiral – Borromini. Panteão. Piazza della Minerva – Elefante de Bernini – Santa Maria sopra Minerva. Caminhada pela via dei Pastini – Templo de Adriano. Coluna de Marco Aurélio. Fontana de Trevi.

DIA 04: VATICANO

Museus Vaticanos (maior parte do dia – comprar os ingressos com antecedência pela internet). Piso inferior: Museu Egípcio. Museu Pio-Clementino. Museu Pio-Cristão. Capela Sistina. Biblioteca do Vaticano. Bracio Nuovo. Museu Chiaramonti. Sala da Cruz Grega. Sala Redonda. Pinacoteca. Museu Gregoriano Profano. Piso superior: Salas de Rafael – Academia de Atenas. Museu Etrusco. Galeria das Tapeçarias. TARDE: Basílica de São Pedro. Scavi: subsolo da basílica de São Pedro (reservar antes). Subida até a cúpula de Michelangelo. Fim da tarde: passeio no entorno do Castelo de Santo Ângelo (se puder entrar melhor).

DIA 05: QUIRINAL – PIAZZA DI SPAGNA: DESTAQUE PARA A ARTE E ARQUITETURA BARROCA

Galeria Borghesi. Termas de Diocleciano. Basílica de Santa Maria degli Angeli (Michelangelo). Museu Nacional Romano. Santa Maria dela Vitoria – Êxtase – Bernini – Fontana di Mosé. Via alle Quattro Fontane – Palazzo. Viminale. San Carlo alle Quattro Fontane – Borromini. Piazza dei Spagna. Trinita dei Monti – Panorâmica de Roma. Piazza del Popolo. Santa Maria in Montesanto e dei Miracoli. Santa Maria del Popolo – Caravaggios. Porta del Popolo.

DIA 06: AVENTINO – TERMAS DE CARACALA – VIA APPIA – CATACUMBAS DE CALISTO (PASSEIO DE VAN)

Basílica de Santa Sabina. Parque de Santo Alessio: vista de Roma. Termas de Caracala. Via Appia. Igreja Quo Vadis. Catacumbas de Calixto. Parque dos Aquedutos.

Siena

DIA 07: SIENA

Catedral. Biblioteca Piccolomini. Museu do Domo. Batistério San Giovanni. Piazza del Campo. Palazzo Publico. Basílica de San Domenico. Tarde livre.

DIA 08: SIENA – MONTERIGGIONE – SAN GIMIGNANO – FLORENÇA

Florença

DIA 09: SANTA MARIA DEL FIORE – PIAZZA DELLA SIGNORIA – PONTE VECCHIO – PIAZZALE MICHELANGELO

Santa Maria del Fiore. Domo de Brunelleschi. Piazza della Signoria. Palazzo Vecchio: museu e torre. Corredor Vasari. Ponte Vecchio. Palazzo Piti – fachada (se tiver tempo, entrar nos jardins de Boboli). Piazzale Michelangelo: pôr-do-sol.

DIA 10: GALLERIA DEGLI UFFIZI – SAN LORENZO (CAPELA MEDICI)

Galleria degli Uffizi. San Lorenzo. Capela Medici. Palazzo Medici-Ricardi. Santa Maria Novela. Palazzo Rucellai – fachada. Santa Croce. Capela Pazzi – Brunelleschi. Tarde Livre. Galleria dela Academia (Davi de Michelângelo) – opcional.

DIA 11: FLORENÇA – PISA – LUCCA

Veneza

DIA 11: PIAZZA DE SAN MARCO – PONTE DO RIALTO

Vaporetto passando pelo Grande Canal completo e Praça de São Marcos. Basílica de São Marcos. Ponte dos Suspiros. Piazza San Giovanni e Paolo. Estátua equestre de Verocchio. Santa Maria dei Miracoli. Ca D’Oro. Caminhada até a Ponte do Rialto.

DIA 12: DORSODURO

Basílica Santa Maria dela Salute. Collezione Peggy Guggenheim. Academia de Belas Artes. Grande Canal. Tarde livre.

DIA 13: RETORNO

Renascimento: vídeos

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